Семинар «Изобразительное искусство для фотографов»

Казалось бы, зачем фотографам нужно изобразительное искусство?
Если обратиться к самому названию «изобразительное искусство», то мы видим некую суть выражения — «из образа». При этом, мы можем точно сказать, что, как живопись не лишена образа, так и фотография, безусловно, содержит образ; безобразная фотография никому не нужна и не интересна.
Кто-то может сказать, что множество фотографов прекрасно работают, не зная и не изучая живописи, а живописцам, тем более фотография ни к чему. Однако, это не совсем так. Если мы вернемся к истории возникновения фотографии, то вспомним, что первые предпосылки фотографии появились гораздо раньше, чем всем известный Дагерротип 1835 года. Фотография берет свое начало в далеких средних веках, во времена великих Караваджо и Микеланджело. Они использовали камеру-обскура. Так что сама суть фотографии была изобретена и начала использоваться художниками именно в те времена. Подобное изобретение применялось для того, чтобы с максимальной точностью передать фактическое изображение на холст. Спустя много веков и трансформаций, цифровые современные камеры по прежнему передают изображение по тому же принципу, что и в камере-обскура. Только раньше свет проникал в комнату через отверстие, отображаясь на стене в виде картинки, которую художники зарисовывали, как по трафарету, а сейчас свет проникает в тушку камеры через объектив, отображаясь на матрице.

(Камера-обскура)

Возникает вопрос: почему же тогда фотоаппараты появились не в XVI веке, а только 180 лет назад? Дело в том, что не было возможности в то время зафиксировать на холсте полученное изображение и его приходилось, по-прежнему рисовать. В XIX веке произошло открытие в химической сфере, что позволило вывести фотографию на тот уровень, который, по сути, используется и сейчас аналоговыми фотографами: при помощи определенных растворов изображение получилось зафиксировать на бумаге.
Ни для кого не секрет, что предшественники раньше называли фотографию светописью, потому что именно свет писал по стеклянным и металлическим пластинам, давая первые фото изображения, пример которых сохранился до наших дней.

(Фото: «Вид из окна» в своем первоначальном виде, выполненном на металлической пластине)

(Фото: «Вид из окна». Жозеф Ньепс 1826 г.)

Оборачиваясь на всю историю возникновения фотографии, мы точно можем сказать, что высказывание о том, что фотографы и художники никак между собой не связаны — абсолютно неверное.
Например, глядя на работы Караваджо, можно увидеть, с какой точностью он передавал изображение на своих картинах, и насколько они реалистичны.

(Караваджо)

Однако, после появления фотографии, начался неминуемый конфликт между живописцами и еще начинающими фотографами-любителями. Пример такого противостояния мы видели в одном из выпусков «Вестника Одесского Фотографического Общества» за 1913 г. в статье «Ответ на критику художника П.А. Нилуса. Вестник ОФО 1913 г.».
В статье один из известных в то время художников П.А. Нилус критиковал фотографов, обвиняя их в том, что они не «создают» что-то новое, а лишь «копируют» написанные раннее картины. Фотографы Общества, в свою очередь, отстаивали свое ремесло, настаивая на том, что фотография может заслуживать звания «произведение искусства» не меньше, чем картина. И это только один из частных примеров, который мы можем наглядно видеть.
В чем, по сути был «камень преткновения» между ними?
Еще Репин в свое время говорил: «зачем мне нужна какая-то фотография, когда я могу написать портрет намного быстрее и качественнее». И тогда это было так, ведь создание каждой фотографии занимало долгие часы из-за длинных выдержек.

(Е.И. Репин — портрет Глинки)

Однако, хотелось бы отметить, что даже сейчас фотография может быть инструментом для художника, а живопись может, в свою очередь, быть инструментом для фотографа.
Что это значит? Поскольку фотография возникла во времена живописи, то все, что включало в себя изобразительное искусство за 10 веков, в той или иной степени отобразилось в фотографии. И странно было бы не использовать эти вещи. Если мы не будем знать своих предшественников и то, чем они занимались, то будем выдумывать что-то методом проб и ошибок, с вероятностью получить не то, что мы хотим. Речь идет о множестве параметров, которые используются как в живописи, так и в фотографии, такие как: экспозиция, композиция, свет, тени, форма и т.д.

(П.П. Рубенс)

Хотелось обратить внимание на одного чешского художника Альфонса Муху, который жил и работал около 100 лет назад. Он активно использовал фотографию в своих работах, составляя огромные многофигурные театральные композиции. Иногда он выставлял целые деревни перед объективом камеры, фотографировал их, и после этого, переносил полученное изображение на холст, используя различные техники. По сути, он использовал фотографию, как инструмент в своей работе.

(Альфонс Муха)

Сегодня фотоаппараты достигли моментальной скорости фотографирования, мы можем увидеть полученное изображение через долю секунды после снимка. Однако, в этих условиях, есть вероятность погрязнуть в иллюзии, что скорость фотографии равна скорости обучения фото искусству. Многие фотографы сегодня снимают все, что попадается им на глаза, делая тысячи бездумных снимков каждый день. Но как в таком случае, человек может исправлять свои ошибки, если он не будет знать об их существовании? В итоге, ему будет казаться, что результат вполне удовлетворительный, но никто кроме него не будет разделять этого мнения. Это происходит в том случае, когда человек отказывается выходить за рамки собственного опыта, перемалывая вновь и вновь собственные ошибки и повторяя их заново.

Если говорить о принципиальных отличиях между фотографией и живописью, мы могли бы сказать, что живопись — это то, что в принципе невозможно, это то, чего не существует в мире. Примером этого высказывания могут послужить работы таких художников, как Дали, Босх и др. И если фотограф будет обращаться к живописи в своей работе, то это позволит ему сильно расширить взгляд. Взгляд обыкновенного фотографа — довольно ограниченный. Он, как говорится «не видит дальше своего носа» и может зафиксировать лишь конкретную картинку, которую видит перед собой, но не более.
А живопись имеет огромную историю, пройдя очень длинный путь и меняясь в зависимости от исторических периодов.

(Рембрандт)

В то в время, когда возникла фотография, возникло и такое направление в живописи, как импрессионизм. В тот момент фотография и живопись начали двигаться друг к другу, потому что суть импрессионизма — это запечатлеть момент, как некое состояние, которое есть сейчас и никогда больше не повторится. Фотография, по сути — это нечто подобное, и было бы весьма полезно взять от живописи в фотографию то, что вечно. Это позволило бы фотографии «жить вечно», как живут многие картины великих художников прошлого. Такие работы, кроме эстетической составляющей могут включать в себя историческую функцию, интеллектуальную, и быть предметом охоты коллекционеров спустя много лет.

(Рембрандт)

Далее предлагаю разобрать составляющие любого изображения, как в живописи, так и в фотографии.
Первое, что мы видим на изображении — это некий сюжет, который воплотил автор. Затем мы видим композицию, то есть, как именно данный сюжет был реализован — это то, что расставляет акценты и приоритеты для зрителя. Также присутствует свет и тень, различные формы и взаимодействие между этими составляющими. Кроме этого — цвет, если это цветное изображение. Цвет играет очень значительную роль на изображении, и несет в себе часть содержания. Для примера попробуйте разместить один и тот же предмет на разных фонах и вы увидите, что меняется отношение к самому предмету, особенно, если это будет живой объект.
Также есть такое понятие, как жанр. Жанр включает в себя все предыдущие составляющие. На жанре хотелось бы заострить внимание более подробно, рассказав историю формирования и классификацию жанра в живописи.
Многие великие художники прошлого, такие как: Репин, Крамской, Айвазовский и др. — оканчивали Питерскую Императорскую академию изобразительных искусств, в которой жанры живописи не только классифицировались, но и имели определенную иерархию. Каждый уровень иерархии жанра включал в себя в том числе и время обучения.
Все жанры живописи в том или ином виде перенеслись в фотографию, в некоторых случаях лишь изменив название.
На самом низшем уровне иерархии располагался натюрморт. Само название натюрморт в переводе с немецкого означает «тихая жизнь» или «мертвая жизнь». Это то, что никуда не денется со временем, вы можете писать натюрморт с натуры хоть 10 лет.
На следующем уровне располагался пейзаж. Он, по сути, также статичен, но имеет более сложные условия, чем натюрморт. Здесь вы зависите от места, света расстояния и т.д. Более того, вы не сможете выставить пейзаж по своему усмотрению, вам придется улавливать тот или иной фрагмент из уже существующего изображения.
Следующий этап — это портрет, который считался более сложным жанром. Хороший портретист должен уметь не только досконально перенести очертания человека, но и «передать его душу» на холст.
В живописи, одним из лучших русских портретистов по праву можно назвать Репина. Он как раз умел переносить на холст не только душу человека, но и всю его суть.

(И.Е. Репин)

Сегодня, многим фотографам не мешало бы поучиться у художников искусству создания «живых» портретов, ведь в фотографии эти принципы так же важны, как и в живописи.
В качестве еще одного примера таких художников портретистов можно отметить Рембрандта, который был одним из богатейших художников своего времени, заработавшем свое состояние именно благодаря портретам. Более того, Рембрандт создавал как индивидуальные портреты, так и групповые, делая их также натурально и правдиво. Если рассмотреть его провокационную работу «Ночной дозор», то можно отметить, что именно она в итоге стоила ему потери признания в высшем обществе из-за чрезмерной правдивости изображения всех ее участников.

(Рембрандт «Ночной дозор»)

Следующий уровень иерархии назывался «жанр». Это то, что мы сегодня знаем, как стрит, репортаж и документалистика. Жанровые картины включали в себя фрагменты бытовой жизни, каких-то рабочих зарисовок и т.д. Изначально считалось, что это более развлекательные картины, чем памятные и исторические. Но он считался более сложным, потому что включал в себя много элементов, которые необходимо было гармонично расположить в одном пространстве.
Однако с появлением фотографии жанр вознесся на более высокий уровень, потому что это и есть суть фотографии — ловить момент.

(Анри Картье-Брессон)

Самым высоким уровнем живописи искусства считались многофигурные и исторические композиции. Например Репин «Бурлаки на Волге». Это была одна из самых первых его работ, которая принесла ему широкую популярность и стала известной на весь мир.

(И.Е. Репин — Бурлаки на Волге)

Оглядываясь на указанных предшественников, создававших мировые шедевры, можно было бы порекомендовать современным фотографам перед тем, как в очередной раз нажать на кнопку спуска, задать себе вопрос: а будет ли это кому-то интересно? А «взорвет» ли эта фотография пол мира? Вместо этого, мы каждый день можем видеть миллионы фотографий, которые на следующий день никто уже не вспомнит.

Рассмотрим в качестве примера еще одну картину Репина «Запорожцы пишут письмо султану». Эту работу в свое время у художника купили за 30000 рублей, что было невообразимо космической суммой в то время.

(И.Е. Репин — Запорожцы пишут письмо турецкому султану)

Многофигурная композиция располагается на самом верху иерархии потому что она включает в себя все нижестоящие уровни. Это отчетливо видно на «Запорожцах» Репина, которую он, к слову, писал более 10 лет, перерисовывая портреты десятки раз.

Сравнивая этот уровень живописи с фотографией мы могли бы обозначить многофигурную постановочную фотографию или фотографию с огромным количеством объектом, каждый из которых гармонирует друг с другом в пространстве.

(Себастьян Салгаду)

(Филипп Халсман)

Последняя составляющая, которая формирует изображение — это философия. Каждый выдающийся художник и фотограф, кроме самой картинки вкладывает в свою работу определенную философию, некий посыл для зрителя. Именно это, в последствии оживляет изображение, наделяет его «собственной душой» и позволяет ему жить долгие годы.

В качестве практической части данной лекции, я бы хотел предложить некую методику тренировки для фотографа. Мы могли бы все составные части изображения тренировать по отдельности, фотографируя каждый раз только один элемент, например свет, форму или философию. Такая тренировка поможет вам выйти за рамки своего опыта и расширить свой взгляд, обращая внимание на то, чего вы вероятно даже не замечали до этого. После этой тренировки вы сможете собрать изображение в полноценную, наполненную и гармоничную картину в виде своих фотографий, что сделает из вас, в последствии настоящего фото-художника.

Данная публичная лекция была проведена 18 сентября 2019 года в Одесском региональном отделении Украинской Академии Наук.
Читал лекцию член президиума Одесского Фотографического Общества Алексей Самсонов.
Смотрите лекцию в полном объеме в видео:

 

Добавить комментарий